Conoce a los Artistas

La oficina de Arena Martinez está ubicada en la calle Libertad, en Chueca, en la ciudad de Madrid. Al entrar por la puerta, uno cree que está en una galería de arte. Es un lugar donde las esculturas y las pinturas son las piezas centrales, en vez de los muebles convencionales. Dividida en 2 secciones; por un lado, la diseñadora española Arena y su asistente, trabajan en la oficina principal, mientras que las personas en prácticas, se hayan en su oficina de al lado, una vez más rodeada de arte y de creatividad. Tan pronto como entres a la oficina, serás recibido por la mascota de la marca, Toby, también conocida como Tobita, la cual, siempre está cerca de sus dueños. Como gran fanática del arte, la diseñadora española, Arena Martínez, también ama la moda; no solo se puede observar su colección limitada de kimonos, sino también, el proyecto de bolsos pintados a mano por diferentes artistas del mundo, tales como, Okuda o Marina Vargas. Trabajar en la oficina de Arena Martínez nunca es aburrido al estar en pleno centro de Madrid, en la zona de moda Chueca. Pero también, hasta la manera en la que está decorada el espacio, las pinturas en las paredes… ¡Una oficina nunca ha sido tan colorida!  

Personas a quienes les gusta pensar fuera de la caja y sentir el arte desde las calles hasta los museos, desde los murales hasta la piel, desde la mañana hasta la noche. ¡Bienvenidos lectores! Mi nombre es Arena, fundadora de la marca Arena Martínez. Mi propósito con la marca y este blog, es elevar el arte a una nueva forma: a nuestros cuerpos, a nuestra piel. Colaborando con diferentes artistas, ofrecemos un soplo de creatividad artística al espíritu de la moda. Desarrollamos una nueva forma de crear una colección, inspirándonos en el arte contemporáneo. Sumergidos en el universo de un artista, seleccionamos fragmentos u obras de arte completas para que nos sirvan como punto de partida conceptual de nuestras colecciones. Nuestros clientes buscan ese espíritu único que solo se siente y se vive en la escena artística y queremos compartir este estilo de vida único, de una manera visual e interesante para los lectores más curiosos. Nunca olvide el concepto y el estilo, que son el alma de nuestra marca. Una apuesta valiente, una oda a las artes creativas. #youarethecanvas

`Esa artista italiana que hace ropa´ – Coco Chanel sobre Elsa Schiaparelli En contra de la modista más famosa de la época, Coco Chanel, Elsa Schiaparelli comenzó en el mundo del arte, y en algún punto de ese camino, eligió la moda como su lienzo. Sus piezas se exhibieron junto a algunos de los nombres más importantes del arte del siglo XX, tales como, Salvador Dalí, Man Ray, Marcel Duchamp y Jean Cocteau;  su historia está además conectada con la del surrealismo. No hay muchos diseñadores con credenciales artísticas como éstas, y debido a esto, el mundo de la moda, tiene una fascinación especial por Schiaparelli. Ella representa el rigor intelectual y la visión del artista, por lo que, en un tiempo tan dominado por las tendencias y el éxito comercial, es fácil ver por qué los diseñadores, comisarios y editores han recurrido a ella numerosas veces, como fuente de inspiración a lo largo de los años. La Met Gala de 2012, Impossible Conversations, celebró su impacto en la historia de la moda junto a otra artista italiana llamada Miuccia Prada. La película dirigida por Baz Luhrman, imagina a las dos mujeres discutiendo sobre la moda, el arte y su interés en las vidas de las demás. Donde discuten, la forma de ver la moda o el arte como algo más,como una nueva forma de vestir.  Quería utilizar esta conversación entre dos mujeres talentosas que, para sus respectivos tiempos, han modificado tanto la forma de pensar acerca de la moda como en la manera que interactuamos con la ropa.Es por eso que nos ha perecido perfecto para presentar este blog, el cual, se dedicará a hablar sobre la moda como arte, y el arte como Moda. Celebrará el talento emergente y los jóvenes artistas brillantes, y recordará a la historia interconectada del arte y la moda; hará preguntas acerca de cómo nos vestimos sobre las declaraciones que hacemos con nuestra ropa, así como, algunos de los mejores estilos en galerías, escuelas de arte y ferias de arte, no solo en la semana de la moda. Schiaparelli y los surrealistas, pensaban que aunque el arte debería llegar a todas las partes cotidianas de nuestra vida, las hacen extrañas, a veces hermosas, pero siempre distintas y originales. Schiaparelli, Costura AW17. Schiaparelli regresó a París en 2013. Actualmente, desfila dos veces al año en el programa de alta costura, encabezado por Bertrand Guyon. Schiaparelli, SS17 Couture Un teléfono de langosta, un vestido de trompe l’oeil o una taza de té de piel. Y de la misma forma, queremos llevar el arte a la vida de las personas a través de sus ropas: las cosas con las que vive su vida . Estoy tan entusiasmada con este proyecto porque quiero que sea el comienzo de una conversación, así que si de alguna manera te interesa el arte, la creación o la creación de cualquier tipo, sería bueno saber sobre ti en arena@arenamartinez.com. Con amor ARENA

“Uno debería de ser una obra de arte o vestir una obra de arte” – Oscar Wilde En la planta baja del museo Victoria and Albert, en Kensington, Londres, junto a una gran galería llena de esculturas clásicas, bustos y estudiantes de dibujo, se encuentra la Galería Toshiba, que alberga la colección de arte japonés del museo. Allí se puede ver, entre otros artefactos y tesoros, lo que probablemente sea la mejor colección de kimonos modernos e históricos de Londres.   También hay una olla de arroz de color rosa caramelo de Hello Kitty  y un traje de Lolita con el tema de Alicia en el país de las maravillas, entre otras cosas. La galería de Toshiba reabrió sus puertas en 2015, después de meses de trabajo de conservación y renovación de la galería, la cual marca un punto de inflexión en la historia del fascinante mundo occidental y fetichización del arte y la cultura japonesa. Oscar Wilde escribió que “todo Japón es de hecho, una invención pura. No existe tal país ”. Su objetivo era que las personas entendiesen la cultura, la historia, viajaran de una manera idealizada y estilizada, lo cual lo podemos observar a través del arte. Quiso decir que cuando contamos historias, incluso historias contadas en libros de historia, siempre somos, en cierto sentido, artistas que diseñan la forma en que debemos ser vistos. Antes de él, los impresionistas – Van Gogh, Degas, Manet, Whistler, Pissaro – también se habían concentrado en el arte japonés, y antes de eso, jugó un papel importante en la europa del siglo XVIII, así como, en la confección de vestidos, que simboliza el imperio, el poder, los viajes y la expansión. . Quizás Wilde eligió Japón como su ejemplo porque es el arte lo que fascina a los artistas. Cuando pienso sobre esta idea, aprender sobre lugares extranjeros y diferentes períodos de la historia a través del diseño, preguntándome cómo se vería un historiador en estos momentos, en una era donde las redes sociales, parecen más relevantes que nunca. Todo el mundo tiene acceso a una cámara de buena calidad, todo el mundo puede pintar y decorar sus vidas hasta el mayor grado. ¿Qué dirán los comentaristas culturales dentro de cien años para comprender y definir nuestros patrones y comportamientos sociales actuales? ¿Desenterrarán las cuentas de Instagram guardadas en archivos digitales y estudiarían la forma en que las personas se hacen presentes y estetizan su identidad digital? ¿Estudiarán las fotografías en revistas y la forma en que las emulan los lectores? Es la primera vez en la historia que cada individuo tiene sus propios canales de medios personales, y no puedo dejar de preguntarme su significado, o es para que alguien del futuro recuerde nuestros extraños días: millones de registros individuales de la forma en que las personas aspiran y diseñan. sus vidas. La ropa obviamente juega un papel muy importante, siempre lo ha hecho. Desde los símbolos de poder incrustados en los retratos históricos, hasta la forma en que un par de botas se diseñan y se colocan en Instagram hoy en día, sobre lo que llevamos, siempre ha sido una forma de expresión, de desempeños artísticos, donde se crea una identidad. Es como los kimonos en el V&A, piezas de arte altamente elaboradas, diseñadas y valoradas en sí mismas, que funcionan como metáforas en la forma en que tratamos lo que vestimos hoy en día. El concepto de Arena Martínez comenzó con las obras de arte, las piezas en sí, pero la decisión de usar el kimono como lienzo vino inmediatamente después, como una progresión natural. Toda la artesanía, la pintura y el bordado, así como, la tradición y el simbolismo social, funcionan como la auto-presentación y el trabajo artístico que hacemos en nosotros mismos, para alinearnos con un grupo u otro, o para resaltar nuestra creatividad y diferencia.  Hay algo en estas formas, simples y elegantes, las cuales muestran una artesanía increíble, y encarnan la sensación de como vestimos puede realmente ser como una obra de arte. Supongo que siempre fue así, en realidad, la ropa siempre ha sido un espacio artístico de alguna manera u otra, pero con Arena Martínez, quise tomar esta idea y correr con ella todo lo que pueda, creando kimonos que sean lienzos para las obras de arte que veo y he visto a mi alrededor, con las que la que la gente puede vivir su vida con éstas. Con amor ARENA    

Es la moda una forma de arte? Para Arena Martínez, la respuesta es un sí. Pero a la gente le resulta difícil responder a esta pregunta, y vale la pena profundizar en el por qué. Las personas experimentan el arte en galerías, detrás del cristal , a una distancia específica entre el espectador y la obra de arte. A veces, en la comida se puede experimentar y observar obras de arte. La moda, sin embargo, se experimenta en las calles, en los bares, en los trenes, en las fiestas; podemos tocar y sentir la ropa de una manera en la que las artes visuales, la escultura o(en la mayoría de los casos) los performances no se pueden sentir o tocar. ¿La materialidad de la moda lleva a bajar el nivel del arte? ¿O es la comercialidad de la moda? La moda es descartada por muchos como la prima menos culta del arte, y de alguna manera lo es. Incluso comprar alta costura es más barato que comprar arte; la moda es más accesible, menos exclusiva y menos prohibida por las barreras invisibles de la clase, la riqueza y la educación. Así que hay, al menos en la práctica, alguna distinción.   Quería comenzar este blog con Schiaparelli porque siempre hay excepciones; los modistos, que son artistas, escultores y exponentes de la vanguardia. Rich Owens, Issey Miyake, Rei Kawakubo y John Galliano, por nombrar algunos entre otros. Pero todos estos artistas, sin excepción, tienen líneas de sus negocios (o los negocios para los cuales trabajan como directores creativos) dedicadas a conseguir efectivo, ganar dinero. Las empresas no funcionan sin resultados, y las empresas deben ganar dinero para sobrevivir y competir unas con otras. No es lo mismo para los artistas, no en la misma medida. Los artistas no tienen accionistas, los artistas no tienen responsabilidad corporativa, como hace Commes des Garçons, por todas sus innovaciones y credenciales vanguardistas. Entonces, tal vez sea el negocio de la moda lo que confunde la cuestión de la moda como una forma de arte para tanta gente. Es un viejo dilema. Todo lo que se toca con el pincel del comercio se vuelve, a los ojos de algunos, vulgar y devaluado, y a medida que la sociedad y el capitalismo crecen, experimentamos la misma vieja dicotomía de diferentes maneras.   Pero, la forma en que experimentamos el arte está cambiando, y la forma en que compramos la moda también. El mercado de arte que una vez fue notoriamente opaco e imposible de acceder , ya está comenzando a abrirse. Vemos obras de arte en Instagram, en el mismo lugar donde nos encontramos con nuestras marcas y celebridades favoritas. Vemos las historias de nuestros amigos en exposiciones. Los hoteles y espacios de coworking alquilan obras de arte de galerías y cambian la forma en que mezclamos el arte con nuestro entorno de trabajo. La colaboración nunca ha sido más importante para el intercambio y el desarrollo creativo, y apostaría a que la cantidad de colaboraciones entre artistas y diseñadores durante la última década se ha intensificado debido a las capacidades de mezcla de medios de las redes sociales como Tumblr y ahora Instagram. Cuando seamos capaces de curar nuestros propias necesidades yuxtaponiendo una línea de poesía con una campaña de Balenciaga, colocada junto a una pieza de arquitectura barroca y un desnudo; tiene sentido que este intercambio sea reflejado por diseñadores y artistas.   Quiero investigar algunas colaboraciones que me han llamado la atención, algunas muy recientes, algunas con algunos años de más, y ver cuál ha sido el impacto que ha tenido este intercambio entre artistas. La moda es una forma de arte, pero es una forma diferente de ver el arte como en una galería, el contexto es diferente. ¿Se puede difuminar esas distinciones y usar ropa como lienzo, alterar nuestra experiencia de vestir y ver arte en ésta? Me gustaría usar esta serie de preguntas para recolectar algunos momentos en la moda en los que ciertamente se ha llevado a cabo. Con amor ARENA

La primera colaboración que me gustaría ver, la cual, es una de mis favoritas, y probablemente una de las primeras colecciones que me causó una gran impresión; es Prada. En la última década, Miuccia Prada ha colaborado con artistas visuales al menos dos veces, y en ambas ocasiones, han sido de mis colecciones favoritas de todos los tiempos (una lista que espero que nadie me pida que haga). El primero fue SS08, y el segundo fue SS14.   Ambas colecciones presentan ilustraciones y pinturas de mujeres, de maneras marcadamente diferentes. Recuerdo haber visto la campaña SS08 de Prada (probablemente en el suplemento de estilo del Sunday Times) e inmediatamente arrancarla de la revista, y así con el resto de revistas que pude, para pegarlas en las paredes de mi habitación. Tendría alrededor de 15 años, y encontré los diseños tan visualmente llamativos que sentí que debían ser enmarcados, colocados en algún lugar donde siempre los pudiera ver. Recuerdo que me sorprendió lo que podría ser la moda, pensando por qué nadie lo había hecho antes. Lo que, por supuesto, es lo que a menudo te hace pensar el arte: cómo es posible que algo tan bueno no se haya pensado todavía, ¿por qué no pensé en eso? James Jean, el artista cuyas ilustraciones adornan las faldas completas y los pijamas de seda de la colección (así como los murales de la campaña), crea imágenes que son tan hermosas como oscuras. Hay algo de cuentos de hadas en ellos, y las curvas y líneas exquisitas de los diseños utilizados en esta colección tenían algo de ensueño, pero de ensueño y oscuro, misterioso y ligeramente oculto. Es el tipo de juego que Miuccia Prada hace como nadie más, la sensación de que hay algo más que se dice debajo de la superficie de la ropa.   “Tuvimos que trabajar muy rápido, por lo que no había tiempo para ser preciso; por lo general, dedico mucho tiempo y esfuerzo a pulir y perfeccionar mi trabajo, por lo que esta colaboración acelerada me obliga a relajarme”, dijo James sobre su trabajo con Prada en una entrevista con Dazed Digital. Llama la atención que el trabajo con la moda influya realmente en el proceso del artista, lo que significa que los propios artistas producen el trabajo de una manera nueva, no solo la marca. James Jean a principios de este año, acaba de colaborar con Prada nuevamente, para la primera colección de Resort de Prada. Es interesante que cuando una marca se dirige hacia una nueva dirección, se confirman los archivos. Típico detalle del genio de Miuccia Prada. SS14 también tenía una oscuridad al respecto, pero tenía más que ver con el poder que con el misterio; la ira, incluso. La colección contaba con retratos de diferentes estilos, desde el graffiti hasta el fotorrealismo y todos contaban con mujeres de diferentes etnias. A su vez, los sets estaban decorados con murales de los artistas El Mac, Mesa, Stinkfish, Jeanne Detallante, Gabriel Specter y Pierre Mornet, ampliados a gran escala, y en torno a temas de feminidad, representación, poder y multiplicidad. Me sorprendió que la ropa pudiera hacer declaraciones sin siquiera hablar. Creo que Prada hizo lo que Maria Grazia Chiuri intentó hacer en Dior unos años más tarde, con sus camisetas “Todos deberíamos ser feministas”, pero mucho más poderosamente, y mucho más sutilmente. La colección SS14 fue una colección increíblemente exitosa, tanto comercial como artísticamente. El programa de Vogue alegó sobre esta colección: “Un diseñador de moda realmente inteligente no solo hace que quieras algo de la colección y con ella te da ganas de tirar todo tu armario y comenzar de nuevo “. Y es cierto. Así es como me sentí acerca de esta colección, cuando, mientras estudiaba, me tiraba sobre  los diseños de los fantásticos abrigos que tenían estampados esas caras tan diferentes; así es como quiero vestirme ahora.   El arte puede decir cosas sin hablar, y en estos dos casos, hubo mayor profundidad, poder y emoción. Siempre recordaré la primera vez que lo vi. Esta sensación o recuerdo, es justamente lo que puede hacer el arte, sellar un recuerdo de haber visto algo por primera vez. Una obra de arte no está completa hasta que haya un espectador que la vea, y hay tantas obras de arte como espectadores. Esto es algo que defiende Arena Martínez: llevar el arte al mundo real, a las calles. permitiendo así que salga del lienzo, para que se vea muchas más veces, se hacen más impresiones y más personas tienen ese momento de visualización, de recuerdo como yo la pude tener con las colecciones nombradas. Me entusiasma escribir sobre más colaboraciones cercanas a mi corazón, hay tantos trabajos increíbles que hayan surgido entre dos artistas que se han unido para trabajar de forma totalmente nueva y verdaderamente originales. Con amor ARENA

No necesitas haber estado en el Friso de la Bienal para saber sobre arte y el estilo que sigue. Arena Martínez se basa en la idea de que puedes ser el lienzo, puedes llevar el arte a tu propia vida y a las personas que te rodean a través de la ropa que llevas. El arte no tiene por qué limitarse a las galerías. Aquí hay ocho mujeres artistas que lo saben, y cuyo estilo refleja el arte que crean. Jemima Kirke (@jemimakirke) La actriz de Girls es ampliamente conocida por su papel de Jessa Johansson en Lena Dunham’s Girls, pero también es una artista expositora junto a su carrera como actriz. Todos reconocemos los caftanes y vestidos maxi bohemios de Jessa en Chicas, pero IRL Jemima tiene un estilo más realista, con un fuerte ambiente de chica cool de Nueva York. El estilo ecléctico de su estilo: terciopelos, flores ricas, colores de joyas, camisetas con banda y un labio rojo característico parecen increíbles para el pintor. Su exposición más reciente cubre su propia reflexión y confusión sobre el matrimonio, la identidad compartida y su lugar en la sociedad. Presenta una serie de retratos hermosos y buscadores de mujeres, vestidos con sus vestidos de novia, aunque presentados como pensativos y cuestionadores, desafiando la imagen sobresaturada de la novia en una felicidad feliz y sin complicaciones.   Yayoi Kasuma (@yayoikusamas) Yayoi Kasuma es famosa en el mundo del arte por sus idiosincrásicas esculturas e instalaciones, así como, por la forma en que su arte se extiende sobre su ropa, su estilo, su cabello, toda su presencia. Ella es parte de la obra de arte, y sus obras de arte son parte de ella. Con títulos de exhibición como ‘Todo el amor eterno que tengo para las calabazas’, ves que la relación entre artista y arte es el punto de inspiración para su trabajo. Los lunares son su firma, y ​​aparecen en su obra de arte y en su estilo. Además de ser una incondicional de este mundo, tiene una carrera en la moda, lanzando una línea de ropa inspirada en los años 60 y colaborando con Luis Vuitton en una colección en 2012.   Quentin Jones (@quentin_jones) Quentin Jones es la reina monocromática, con su estilo en blanco y negro de alto contraste reflejado en sus atuendos de b & w. Como accesorio de la escena de la moda londinense, es vista con frecuencia en primera fila y en eventos de moda; trabaja en la producción extensa de piezas y películas de medios mixtos con artistas como Chanel, Luis Vuitton, Vogue, Victoria Beckham e I-D. Ella describe su propio trabajo como “una versión moderna de la tradición surrealista”, y presenta formas audaces, texto, imágenes yuxtapuestas y cuerpos distorsionados en su trabajo. Su estilo es agudo y cosmopolita, con camisas blancas, abrigos estructurados, geometrías en blanco y negro en negrita, como las que se encuentran en sus ilustraciones y collages, combinadas con camisas de mezclilla holgadas y converse.   Marina Abramović Marina Abramović no necesita presentación. Es una pionera indiscutible del arte de performance, que empuja los límites entre el artista y el público, y los límites de lo que puede considerarse arte en un trabajo que es valiente y confrontativo. Ahora que era una musa de Riccardo Tisci, no siempre abrazaba la moda, y al principio de su carrera despreciaba a las artistas mujeres que vestían maquillaje y abrazaban la ropa, en línea con el pensamiento del movimiento de liberación de las mujeres de principios de los setenta. Más adelante en su carrera, sin embargo, se volvió hacia la moda como una forma de autoexpresión y se asoció estrechamente con Givenchy, que a menudo usaba creaciones personalizadas de la casa para eventos públicos.   Faye Wei Wei (@fayeweiwei) Faye Wei Wei, una pintora de ensueño y de otro mundo, es una de las artistas emergentes más interesantes de Londres, con importantes exposiciones individuales el año pasado. Sus pinturas son figuras, con un colorido disturbio, de mitología clásica, imágenes ocultas de hadas e íconos religiosos. En persona, refleja el mundo lleno de fantasía que crea en su trabajo, con cabello largo y oscuro, pijamas de seda estampados con diseños intrincados o vestidos blancos de campesinos que parecen salidos directamente de un dolor pre-Raphaelite. Hay algo muy parecido al Gucci de Alessandro Michele acerca de su mundo libre, con adornos y completamente hermoso. Ella tampoco es ajena al mundo de la moda, pintando los sets para el show SS18 de Shrimps.    Peggy Guggenheim Con archivos de estilo en Man Repeller y Vogue, Peggy Guggenheim es un ícono de estilo con arte aún más grande. cartas credenciales. Con colecciones y galerías que llevan su nombre en todo el mundo, la suya es uno de los nombres más famosos del arte. Las gafas fuertes son el nombre del juego aquí, ya que ella era famosa por sus marcos geométricos, así como sus joyas extravagantes. Volvió la mirada de su coleccionista a la moda, seleccionando piezas por su interés, originalidad y valor estético.   India Menuez (@iiindiiia) Artista y musa del arte, India Menuez está tan presente en el mundo de la moda como ella en el mundo del arte. Amiga de los queridos de la fotografía de moda, Harley Weir y Petra Collins, India no es ajena al estilo, de forma etérea y  con un toque extraño. Su propio estilo tiene una ingenuidad determinada: vestidos de té, faldas de ballet, cintas y bellezas, mientras su trabajo explora la sexualidad femenina empoderada y la mirada femenina.   Frida Khalo Ninguna lista de artistas estaría completa sin Frida Kahlo. Hay una razón por la que es un ícono de Instagram y también un ícono de arte a través de su desafiante mezcla de masculino y femenino, tradicional y subversivo, tanto en su vestimenta como en su trabajo. Su unibrow simbolizaba un rechazo a las normas de belleza tradicionales y el deseo de redefinir estos estándares, y los trajes masculinos que a menudo son fotografiados en contraste con los coloridos vestidos tradicionales de la región de Tehuantepac de México, como para explorar las diferentes identidades que pueden coexistir. dentro de una persona Sus famosos autorretratos son indicativos de un proceso artístico autobiográfico profundamente personal, uno que se manifiesta en la forma en que vestía también la ropa.   Con amor ARENA        

El artista español y colaborador original de Arena Martínez en su regreso a la exhibición, al “doble arte” de vestirse. ‘Describe tu arte en una palabra’ ‘Yo mismo.’  La individualidad es vital para Papartus, el artista con el que creamos nuestra primera colección Arena Martínez. ‘Soy yo mismo. Es autobiográfico, así es como veo el mundo. Para mí es más fácil describir el mundo pintándolo que explicarlo “. Hablando de su arte y su proceso, es esta palabra a la que regresa una y otra vez:” yo mismo “.  Después de pasar cinco minutos con Papartus, puedes ver cuanto de cierto es esto. La vitalidad que rebota en sus pinturas es la misma que la que absorves en una conversación; Pero también hay algo más, y es, honestidad. Comienzas a tener una idea de la importancia del yo, la importancia del individualismo, por eso en nuestra conversación la palabra “yo mismo” se repite: porque esta es simplemente la única manera de ser sincero. Papartus parece saber, haber sabido siempre, cómo ser fiel a sí mismo, como si para él fuera más natural que respirar. Cuando le pregunto si podría haber imaginado, de niño, que su pasión infantil se convertiría en su pasión de toda la vida, responde de manera simple y directa: “Estaba seguro”, sin ningún indicio de vacile. Cuando le pregunto por qué prefiere la luz artificial a la luz natural, me dice que no sabe, pero ciertamente se siente más cómodo de esa manera, y cuando le pregunto sobre su pausa de 11 años de exposición, la respuesta es sencilla, sin duda. Sinceramente, prefiero trabajar en mi estudio, solo, sin mostrar mi trabajo. Hay diferentes momentos en la vida “.  Es un mantra del que todos podemos aprender: descubrir las verdaderas motivaciones, sin cuestionarlas y aprender a valorarse sin la necesidad de nadie más: galería, exposición, curador o espectador. La pintura, para Papartus, es algo que se premia a sí misma. Con esto en mente, sus piezas suenan con más de su color vivo e intensidad gráfica, se convierten en reflexiones intensamente personales sobre el significado y la emoción. Las palabras se pulverizan en los lienzos, los colores de alto contraste explotan y se superponen, pero cuando se enfrentan a un espectador, también son introspectivos. “[Las palabras son] un recurso plástico … cuando las pintas descubres que aparece un significado diferente del contexto, la atmósfera, el ambiente. Uso palabras confusas en situaciones confusas ‘. Estas piezas toman flexibilidad e inestabilidad, y las exponen: nos muestran que las palabras son solo una forma de comunicarse, nombrar y etiquetar, y que esas palabras se pueden deshacer y rehacer. Es el artista tomando su propia mediación personal sobre el significado y dejando que el mundo lo vea. Lea nuestra entevista completa:  ¿Cuantos años llevas pintando?        Toda mi vida. Cual fue tu primera experiencia? Cuando era muy muy pequeño,tenía mucha curiosidad, como todos los niños. A los 13o 14 ya estaba dando clases en una academia, aprendiendo a como crear paisajes, retratos y bodegones. ¿Alguna vez imaginó cuando era un niño que esta pasión realmente se convertiría en la pasión de su vida? Estaba seguro.     ¿Siempre has estado tan seguro? Sí. Siempre. ¿Cuando y por qué empezaste exhibiendo? ¿Cuando fue la primera vez en la que apareciste?  Mi primera exhibición fue cuando tenía 17, en una especie de librería que tenía un espacio reservado para este tipo de eventos.  Y desde entonces empezaste a exhibir, ¿verdad? ¿O te tomaste un tiempo como artista? No, después fui a la universidad y no hice ninguna exhibición, pero sí continué pintando. Todos mis compañeros, tenían una pieza mía. Muchos dibujos. Ya cuando terminé la universidad, tan proto como pude, conseguí un estudio. Tenía poco dinero, por lo que, alquilé un apartamento y ahí creé mi estudio. he tenido varios estudios en los que me he pasado trabajado en ellos toda mi vida.   ¿Qué necesitas de un estudio? ¿Como te sientes cómodo? ¿Qué le pides a un estudio para poder trabajar?  Un sitio donde me pueda evadir del mundo.  ¿Necesitas luz para pintar? No, no no. Yo pinto con luz artificial. Por qué con luz natural no? No lo se, me siento más cómodo trabajando con luz artificial.  Dejaste de exhibir hace 11 años, ¿por qué? Prefería pintar en mi estudio, yo solo, sin enseñar mi trabajo a nadie. hay diferentes momentos en la vida. Preferías pintar que atender a los demás. ¿Cuando pintas tienes alguna referencia, algún artista que te inspire? No puedes evitar tenerlo, pero prefiero hablar sobre el espíritu más que de los individuos. me gustan las pinturas que tienen vitalidad, un poco agresivas, que revelan algún inconveniente para el espectador.  Como describirías tu trabajo en una palabra? Yo. Es autobiográfico. Es la forma en la que veo el mundo. para mi, es más fácil describir el mundo pintándolo que verbalmente.  ¿incluyes muchas palabras, cual es la razón? Es un recurso plástico, es decir, no son palabras, son palabras confusas. No estoy seguro sobre el significado de estas palabras. Utilizamos muchas de éstas, pero no sabemos realmente su significado. Por lo que cuando, las pintas, descubres un significado oculto detrás de ellas, por el contexto, por la atmósfera, por el ambiente. Utilizo palabras confusas en situaciones confusas.   ¿Que opinas sobre combinar arte y moda? Es muy complicado. Es un gran reto, que está sin explotar. Debería de haber más gente interesada en esta combinación. Vestir a la gente con arte, a sus cuerpos, es un arte,  por lo que hace que sea doble arte. Doble dificultad.   ¿Como te sientes viendo tus piezas en los kimonos de Arena Martinez? Es magnífico. He escuchado que tienes próximamente una exhibición, ¿me podrías contar un poco acerca de ésta?No es cuestión del tamaño, sino de la expectación sobre mi vuelta. La gente creó que pensó que estaba muerto o que ya no volvería a trabajar, por lo que les causa sensación.  No se trata de la cantidad y del tamaño, sino del renacimiento.  Invitación a la inauguración de su próxima exposición. También habrá una exposición de “Migas en las Sábanas” en el Museo CEART, del 1 de febrero al 4 de marzo. Para nuestra primera colaboración, fue importante que trabajáramos con un artista que entendíésemos, admirásemos y tuviéramos afinidad, y que ellos, a su vez, sentían que nos entendían. No podríamos haberlo logrado más que con Papartus. Pasas tu día a día en el mundo de la moda, es el yo que presentas al mundo. La moda te invita a decir cosas sobre quién eres. Por lo que, es razonable que colaboremos primero con un artista que realmente entienda lo que significa decirle al mundo quién eres, sin temor a las opiniones de los demás. Con Arena Martínez, quiero inspirar a las personas a reclamar su individualidad a través de la moda, a vestirse de manera un poco diferente. Nuestra visión para el futuro es colaborar con diferentes artistas, con diversos estilos y puntos de vista, reflejando el espectro de gustos que existe. Lo que une las diferentes colecciones y las diferentes personas que las usan es la voluntad de expresar la individualidad, personas que, como Papartus, simplemente creen en la verdad y la rectitud de su propio gusto y estilo. Gracias Papartus por haber sido nuestro punto de partida.  Séguele en instagram @papartus_art o en su web: www.pacocelorrio.com  

“Decidí empezar de cero, sobre la nada, para hacer cosas que no se habían hecho antes, cosas con fuerte imágen” – Rei Kawakubo Rei Kawakubo es una iconoclasta, alguien que rompe imágenes y las rehace. Commes des Garçons, la etiqueta que construyó, “desde cero”, es un nombre familiar en la moda y significa intelecto, visión y valentía artística. Al mismo tiempo, ha sido un sólido éxito comercial: Kawakubo abrió su primera boutique, Commes des Garçons, en 1975, dos años después de que ella fundara la empresa, y en 1982 la marca se estaba mostrando en París y abriendo una boutique. La tensión entre la moda y el arte a menudo se ha emparejado con los antiguos enemigos del arte y lo que se consideraba popular y “comercial”. Esta lucha nunca parece haber afectado a Commes, y el genio de Rei Kawakubo levanta su etiqueta de cualquier debate como este. Su visión es tan incuestionablemente artística, tan puramente sobre el desafío a las convenciones y los límites, que nunca podría verse como “solo” una etiqueta. Ella es una artista, principalmente, y sus piezas son obras de arte, pero sin embargo, ha tenido un éxito comercial fenomenal. Kawakubo y su esposo, Adrian Joffe, fundaron Dover Street Market, el lugar de compras para ir a los lugares más elegantes y modernos de Londres. Es un balance que no creo que ninguna otra etiqueta pueda lograr, no de la misma manera. Es un buen equilibrio, por un lado, posiblemente la etiqueta más conceptual e intransigente de la moda y, por otro, uno de los logotipos más reconocidos en Internet: un pequeño corazón gráfico, con ojos de papel recortado. Usado tanto por adolescentes como por celebridades, muchos de los cuales probablemente nunca hayan visto una imagen completa de Commes. Creo que tiene algo que ver con el hecho de que la dedicación de Rei Kawakubo al arte y el cuestionamiento de la forma y la belleza es tan inquebrantable, ha sido tan constante año tras año tras año, que es imposible dudar de la fuerza de su integridad artística. Incluso la popularidad no puede desfasarla. Kawakubo fue la primera diseñadora en tener una exposición Met Gala dedicada exclusivamente a diseñadores en treinta años. La última vez que se dedicó a un solo diseñador, fue Yves Saint Laurent 1983. Rei Kawakubo / Commes des Garçons: Arte de los intermedios se expuso en el Met’s Costume Institute de mayo a septiembre de 2017. Dedicar la exhibición de moda y arte más importante a un solo diseñador o diseñadora, como es el caso, y una sola etiqueta como esta, debe decirnos algo sobre el estado de Kawakubo como leyenda y artista más allá de lo que muchos diseñadores alguna vez han logrado. Su objetivo es estirar el lienzo, romper la noción de “ropa” en las costuras, crear algo que sea constantemente desafiante. Empezar desde cero, para mí, significa comenzar a crear sin una concepción de lo que debería ser la moda, o ya es. No todos los diseñadores trabajan de esta manera, ni todos los artistas trabajan de esta manera, pero todos los artistas que inician y cambian la trayectoria de la historia del arte trabajaron de esta manera, al menos en algún momento de sus carreras, creando una definición diferente de arte o visión, trabajo, o mirada. Rompieron imágenes, y las rehicieron. Una de las colecciones más famosas de Kawakubo, en 1997, se tituló “Cuerpo y vestido, vestido y cuerpo”, y recibió el apodo de “Colección de protuberancias y protuberancias”. Como diseñadora, como alguien que crea ropa, me parece inspirador. También quería que Arena Martínez trabajara de esta manera, y que le dijera a la gente: la ropa es mucho más que un obsequio o un cierto aspecto. La ropa puede tener tanta expresión y decir tanto. Con la forma simple del kimono, quería que las obras de arte que exhibían hablaran por sí mismas, permitiendo que la persona que las usa desafíe las normas o comunique algo sobre su personalidad. Quiero que la gente pueda ser más libre con su ropa, para considerar las muchas posibilidades. En cuanto a los diseñadores que me inspiran en esto, no estoy seguro de que haya alguien más influyente que Rei Kawakubo con Commes des Garçons, una leyenda viva y artista. Con Amor, Arena Martínez.

Incluso si aún no has oído hablar de Alejandro Gómez Palomo, reconocerás su trabajo por lo que posiblemente fue el momento en Instagram más grande de 2017. En la introducción de sus gemelos por parte de Beyoncé, Rumi y Sir, al mundo, ella vestida con una flor púrpura, una bata y un largo velo azul, decorado con un fondo de flores como una imagen de Madonna y niño bellamente exuberante. La pieza fue original, diseñada para la ocasión, y realizada en el taller español de Palomo. La imagen que rompe el récord de Instagram,tiene una historia artística detrás : el trabajo del fotógrafo Awol Erizku trata sobre la falta de representación de personas de color en el canon artístico, y a menudo representa alusiones directas a obras de arte famosas, Beyoncé evoca la iconografía religiosa de la Virgen María (literalmente, icónico), al igual que el diseñador, Palomo España, juega con la historia, el vestuario, el arte y el género a lo largo de su trabajo.   Hari Nef dio en el clavo con sus comentarios de Twitter sobre el anuncio del nacimiento: “Beyoncé, llevando a Palomo Spain en la foto reveladora de sus gemelos, me está haciendo gritar. La vestimenta técnica de Bey para la revelación de sus mellizas, cuyo embarazo enmarcó con tanta espiritualidad femenina. Tan genial “. De la misma manera que el retrato de Holbein a Cindy Sherman ha usado prendas, accesorios y accesorios como declaraciones ocultas, Beyoncé hace un guiño a las suposiciones de género y cuestiona los orígenes de la estética masculina / femenina. Pero tienes que leer entre líneas. Pero la imagen es, por encima de todo, alegre. Es radiante y festiva, y en esto, así como en su hiperconocimiento de la historia del arte, Palomo España fue el colaborador perfecto. A En su oferta de AW18, que abrió el mes pasado, los shows de hombres en París, Felip Motwary, editor de artículos de moda de Dapper Dan, le dijo al diseñador: “¡Hiciste a todos muy felices! Sin esto, todo en la moda solo sería mucha ropa deportiva “. Todos estamos familiarizados con esto; La moda conceptual tiene cierto peso, Commes des Garçons, Hood By Air e incluso Maison Margiela tienen una seriedad que saturan rápidamente una semana de la moda. Es cierto que el mérito y la profundidad artística pueden ser, al mismo tiempo, agotadores. Palomo Spain tiene elementos conceptuales, se basa fuertemente en el fetiche y el homoerotismo, pero logra hacerlo con absoluta alegría y ligereza. Y es refrescante.   El punto de vista original y los alegres efectos secundarios de Palomo, lo convirtieron en el primer diseñador español en ser seleccionado para el premio LVMH 2017, y en el número 33 del Dazed 100 2017. Su trayectoria ascendente seguramente continuará con la fuerza de su última colección. `The Hunting´, las telas de tierras altas y los detalles de estilo militar como los sombreros de caza de faisán con dobletes de terciopelo isabelino, los calcetines de brocado, se cruzaron con objetos fetichistas como las botas de piel de serpiente y las gargantas. Como señaló Felip Motwary, el resultado es dramáticamente diferente que gran parte de la producción del ciclo de la moda: es extravagante, pero trae una sonrisa, no un desafío; audaz, pero también tiene una singularidad y una suavidad, en contraste con los diseñadores con estética teatral similar a la de Charles Jeffrey y Dilara Findikoglu, cuya dureza es parte del punto. Es el tipo de trabajo que requiere la sensibilidad y la singularidad de la visión de un artista, la chispa para seguir su propio camino. Es por eso que siempre defenderemos a los artistas y diseñadores que ven el mundo de manera un poco diferente en Arena Martínez, que encuentran la belleza en diferentes lugares, y que miran hacia el pasado y alrededor de ellos en el presente de una manera que nadie más puede.

“El futuro no es lo que vaya a pasar, sino que es lo que vamos a hacer” La feria de arte contemporáneo más importante de España, y una de las más destacadas del circuito internacional, regresa a la capital. Entre el 21 y el 25 de febrero, Arco regresa a Madrid con su 37ª edición y da la bienvenida a la comunidad artística mundial para celebrar el arte. Este año, no se contará con un país invitado y las mujeres tendrán un papel principal en la exposición. Chus Martínez, Elise Lammer y Rosa Lleó protagonizarán la propuesta más interesante de la feria y su eje central, un reflejo del concepto de Futuro: “El futuro no es lo que va a suceder, sino lo que vamos a hacer”. Otros dos programas, dirigidos en su totalidad por mujeres, que acompañarán a “Future”: “Dialogues”, de Maria y Lorena de Corral y Catalina Lozano, y “Opening” con Stefanie Hessler e Ilaria Gianni, está enfocada a artistas y galerías más jóvenes que tienen menos de siete años. Carlos Urroz, director desde 2010, dijo que ARCO es una feria que siempre anticipa el futuro en cuanto a sus enfoques y que actualmente, gira alrededor de las  mujeres, en quienes confían en el futuro de todos. Además, también se ha destacado el regreso de galerías como Alexander y Bonin y Team (Nueva York), Thaddaeus Ropac (París) y la incorporación de Guido W. Baudach, König Galerie, Monitor o Van Doren Waxter. Esta edición reunirá a un total de 29 países con 208 galerías, 160 en el programa general y 51 en comisarios. Para 49 de ellos será su primera vez en la feria. América Latina y sus correspondientes coleccionistas, serán los otros actores principales junto con las mujeres. Con iniciativas como #mecomprounaobra, la feria tiene como objetivo promocionar el nuevo coleccionismo, mostrando piezas de menos de 5.000 euros para perder el miedo a este tipo de compras.   En términos numéricos, se espera un gran volumen, especialmente gracias al Programa Internacional de Coleccionistas, que se espera que reúna a más de 250 recolectores de más de 40 países. Además de Arco, hay otros eventos esenciales incluidos dentro de la semana del arte: JusMAD 2018 La feria de arte emergente se llevará a cabo entre el 20 y el 25 de febrero en Palacio de Carlos María de Castro. La gran novedad de este año, es el cambio de dirección artística formado por los comisarios, Semíramis González y Daniel Silvo. El hilo conductor de este año será el encuentro entre Europa y América Latina. La novena edición de esta feria, tendrá cuatro secciones: Programa general, Brand new, dirigido a galerías incipientes y con una programación arriesgada, Proyecto a solas, que ofrece a las galerías la oportunidad de mostrar el universo creativo de un artista a través de su stand y su contexto,  comisariada por la holandesa Inez Piso y el mexicano Octavio Avendaño, que harán que las galerías europeas y latinoamericanas convivan en un diálogo común. URVANITY La primera feria española dedicada al Nuevo Arte Contemporáneo presenta la segunda edición que tendrá lugar del 21 al 25 de febrero en una nueva ubicación: LASEDE COAM (Hortaleza, 63). Este año, a la feria se suma a la programación de artistas como Shepard Fairey, D * Face o Crania. ART MADRID Del 21 al 25 de febrero, en Crystal Gallery de CentroCentro Cibeles, ART MADRID’18 celebra su decimotercera edición, este año con Okuda San Miguel como artista invitado. La feria contará con una selección de 34 galerías, tanto nacionales como internacionales, en su Programa General. Si estás de visita en Madrid durante el mes de febrero, también te recomendamos estas exposiciones: Sorolla and Fashion El Museo Thyssen-Bornemisza organiza, en colaboración con el Museo Sorolla, una exposición dedicada a la influencia de la moda en la obra de Joaquín Sorolla que se puede ver simultáneamente en ambos museos. Eloy Martínez de la Pera, la exposición se presenta como una “historia” que llevará al visitante a la Europa de finales del siglo XIX y principios del XX.   Pessoa: All art is a form of literature La exposición organizada por el Museo Reina Sofía, tiene como objetivo descubrir al público poco conocido de vanguardia portuguesa, que se desarrolló durante la primera mitad del siglo XX y en la que el poeta Fernando Pessoa (1888-1935). La trama de los espectáculos intervino activamente a través de sus escritos y sus versátiles propuestas artísticas. Más de 160 obras de arte (pintura, dibujo y fotografía) de 20 artistas se han reunido en esta exposición.   Toulouse-Lautrec and the pleasures of the belle époque La Fundación del Canal, muestra por primera vez en Madrid la colección completa de carteles de Toulouse-Lautrec. Junto con obras de artistas, ofrece una mirada sugerente a las novedades de la Belle Époque, no solo en las artes sino también en términos de un cambio en la mentalidad y los placeres que ofrece la “vida moderna”.  Cuenta con 33 carteles, realizados por el pintor posimpresionista, en los que reflejó como nadie más la vida efervescente de París a finales del siglo XIX. La exposición también incluye más de treinta carteles realizados por autores como Alphonse Mucha, Jules Cheret o Theophile-Alexandre Steinlen, entre otros. PAPARTUS : Crumbs on the sheets En el mismo espacio mencionado anteriormente, COAM, hay una exposición del artista Paco Celorrio / Papartus, con quien colaboramos en nuestra primera colección de Arena Martínez. Tras 12 años lejos del circuito de exposiciones, regresa con dos exposiciones paralelas en el COAM y el CEART. El primero de ellos, protagonizado por el estadounidense Robert.C Morgan, muestra 25 piezas que muestran el trabajo realizado ininterrumpidamente durante los años en que el artista se retiró para trabajar exclusivamente en su estudio. Las 15 piezas en el CEART se complementan y dialogan con las expuestas en el COAM, formando un todo cerrado. Será una semana entretenida para los amantes del arte, galeristas, coleccionistas y personalidades del sector. Durante estos días, además de ferias y exposiciones, hay un gran número de eventos, cenas y fiestas privadas y culminan con una fiesta privada oficial de ARCO el viernes 23 en NuBel, el restaurante del Museo Reina Sofía, donde solo los afortunados pueden asistir.  

14 de Noviembre, 2018 El martes 13 de noviembre, asistimos a un evento privado en The Art of living Frigicoll, calle Villanueva número 36, cerca del Hotel Wellington en Madrid, un espacio maravilloso; lo recomendamos altamente.  Durante el evento, varios de los artistas que expusieron, tenían un papel en la moda; entre otros, dos de nuestros artistas colaboradores; Papartus y Marina Vargas.   Presentamos dos de nuestros kimonos, de diferentes colecciones; 9 de copas de la colección Mnémosyne. El trabajo se basa en el final de un ciclo, dejamos ir al pasado para empezar una nueva etapa. El kimono 9 de copas, habla sobre los deseos cumplidos, así como, de la espiritualidad y la abundancia material. Por otro lado, presentamos nuestro bestseller de nuestra primera colaboración con el artista Papartus, SERENDIPITY. Antes de la cena, nos hicieron un tour por todo el espacio de la mano de los directores de JustMad, Semiramis González and Daniel Silvo, para poder conocer más a fondo todas las obras expuestas.Mientras tato, la directora de Marie Claire, María pardo, daba su opinión y su enfoque desde el punto de vista de la moda sobre las obras y como de conectadas estaban a éstas. Tuvimos oportunidad de escuchar a todos los artistas y su visión sobre ellas; Arena Martinez, explicó la filosofía de los kimonos presentados y lo que intentaba transmitir con su marca.   Posteriormente, tuvimos el placer de presenciar un show cooking por el chef Juliano. Fue muy especial, ya que, no había platos, la comida se servía en manteles coloridos colocados encima de las mesas. Una idea muy innovadora, la cual, nunca habíamos asistido a un acto de este estilo. En la foto podemos observar la representación de la comida a través de los colores: El show se dividió en cuatro representaciones: Para comenzar, fue un crujiente aperitivo con tomate cherry y acompañado con queso. El segundo plato, risotto de calabaza con crujientes de jamón serrano. ¡Las flores también se comían! El tercero, era una vieira cubierta de bacon y puré de patata. El postre, para terminar, fue un bombón de chocolate con pepitas de coco. ¡ESTABA DELICIOSO! Fue una cena increíble,tanto por el show como por la compañía, como Ernesto Artillo, el cual estaba presente entre otros.   Gracias a Justmad por la oportunidad de disfrutar de esta magnífica velada y de conocer a artistas tan interesantes como los presentes.