CONOCE A LOS ARTISTAS

PAPARTUS

“Pinto con las manos porque me encanta dejar huellas de color”

“A pesar de que el presente y el futuro son impredecibles y difíciles de gobernar, el ser humano siente la necesidad de luchar contra el caos, organizando el medio ambiente y el mundo” -Papartus. Papartus cree que su papel y el de los artistas es buscar formas alternativas a la lógica, desconstruyendo el orden establecido y reconstruirlo nuevamente, dentro de la libertad que ofrece la creatividad. Compartimos la misma filosofía. 

Tras 12 años lejos del mundo de las exposiciones, Papartus / Paco Celorrio, regresa con dos exposiciones paralelas a principios de febrero.

Las dos exposiciones están organizadas por Robert C. Morgan y reúnen un total de 40 piezas distribuidas en dos espacios. El COAM muestra 25 piezas, que enseña el trabajo realizado ininterrumpidamente durante los años en los que el artista se ha retirado exclusivamente para trabajar en su estudio y desarrollar un proyecto pictórico que comienza con la abstracción gestual para evitar los grados figurativos basados ​​en signos y actitudes de textos. CEART muestra solo 15 piezas que se complementan y dialogan con las expuestas en el COAM, formando un todo cerrado

JUAN SOTOMAYOR

‘La luz posee recursos infinitos para engañar el ojo humano’

“Mi actividad pictórica está respaldada por el estudio de las propiedades de la luz, su comportamiento en la superficie. Pero también tiene un montón de juegos, de experiencia lúdica que consiste en controlar la probabilidad, atraparla y contenerla para finalmente, y este es el objetivo primario, dominarlo absolutamente “- Juan Sotomayor.

La línea de trabajo que Sotomayor ha estado desarrollando durante algunos años puede identificarse con el trabajo del científico, con la tarea rigurosa y metódica del investigador en busca de certezas ocultas, realidades que emergen solo con el favor del tiempo y la concentración.

MARINA VARGAS

Marina Vargas (Granada – 1980) es creadora de energía desbordante, una artista multidisciplinaria, que domina la escultura, pintura, fotografía, dibujo e instalación. Su trabajo se basa en la revisión e investigación de signos religiosos, alquímicos y mágicos para después, reinterpretarlos o modificarlos, y así crear nuevas historias o cuestionar las existentes.

Una búsqueda continua de identidad, una inmersión entre lo que hemos heredado y lo que somos, y cómo nos relacionamos con quienes nos rodean, donde el dramaturgo barroco está muy presente. Marina refleja en sus creaciones experiencias traumáticas con la vida, la muerte y el amor.

ARENA MARTINEZ PRESENTA UNA EDICIÓN LIMITADA DE BOLSOS PINTADOS A MANO, EN COLABORACIÓN CON VARIOS ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS. 

JULIAO SARMENTO

Juliao Sarmento, (Lisboa – 1948) es uno de los artistas más reconocidos en la actualidad, ha expuesto en el MoMA, en el Guggenheim de Nueva York o en el centro Pompidou de París.

Ha desarrollado un lenguaje multimedia-visual, que combina cine, video, sonido, pintura, escultura e instalaciones; su trabajo a menudo trata temas sobre relaciones interpersonales complejas; ha utilizado constantemente temas como la interacción psicológica, la sensualidad, el voyeurismo y la transgresión; es conocido por sus pinturas densamente empastadas y texturizadas, donde el campo de pintura forma un terreno por el cual extrae sus imágenes en grafito, invirtiendo la base tradicional de pintura.

JANNIS VARELAS

Jannis Varelas (Grece -1977) vive y trabaja entre ciudades como Atenas, Los Ángeles y Viena. Se graduó en el Royal College of Art de Londres (MFA) y en Athens School of Fine Arts (BA).

Sus nuevas pinturas trazan un sistema maximalista que registra y da forma a la noción de distensión mental. La intención de Varelas es un tratado estético fuera de los comandos racionales de un proceso de producción, que se organiza como un conjunto de notas, para que el resultado final se entienda como la impresión general de un comportamiento creativo. Hace uso de una iconografía que juega con lo simple y lo poco sofisticado como un medio para socavar el concepto de cómo debería ser el arte. En un momento en que miles de artistas salen de las escuelas de arte cada año y la ignorancia es, en efecto, imposible, el desaprendizaje se convierte en una forma de contracultura y es a la vez una nueva perspectiva.

JORGE GALINDO

Jorge Galindo (Madrid – 1965) vive y trabaja en Londres. Su trabajo, enmarcado bajo los preceptos de una cierta abstracción gestual y operativa de gran formato, ha sido determinado por un ejercicio obsesivo de técnica de collage que finalmente ha definido los pilares que sostienen, por un lado, su acción pictórica, y por otro, Su compresión de la imagen.

ALBERTO DE LA TORRE

Alberto De la Torre (Zamora – 1974), ha realizado numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas, en ciudades como Madrid, Ibiza, Shanghai y Londres, entre otras. Su carrera está marcada por una filosofía antidualista del objeto artístico, donde toda certeza o estilo de forma se disuelve en favor de la experiencia como resultado, en sí misma compleja y multiforme, explorando obsesiones propias como la botánica, el reino de los insectos, la ciencia ficción…

Todo esto termina con un paisaje interior que encuentra la única certeza posible para el descubrimiento, que es la dimensión del engaño.

JOSÉ MANUEL CIRIA

José Manuel Ciria es uno de los artistas más destacados de su generación y una figura clave en el panorama heterogéneo de la pintura española de las últimas tres décadas.

Desde 1984, cuando tuvo su primera exposición individual, en la galería Ferrière de París, Ciria ha desarrollado una amplia carrera y ha sido galardonado con numerosos premios y exposiciones. En los últimos años, ha ganado un amplio reconocimiento internacional a través de exposiciones individuales en el Herzliya Contemporary Art Museum en Tel Aviv, Israel (2002), la Galería Estatal Tretyakov en Moscú, Rusia (2004), el Museo Nacional Polaco de Polonia, Varsovia (2004). ), el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas México (2005), el PasquArt Kunsthalle Art Center Museum en Berna, Suiza (2005), el Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán en Mérida, México (2006), el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina (2007), el Museo de Arte Contemporáneo, Santiago de Chile (2009) y el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) (2010), entre muchos otros.

SANTIAGO YDAÑEZ

Santiago Ydáñez nació en Puente de Genave, Jaén, España, en 1969. La obra de Ydañez despierta un interés que cruza las fronteras. Entre el expresionismo y el romanticismo, la ejecución contundente de sus obras y sus pinceladas dinámicas componen una obra llena de significado y espontaneidad. Conecta conceptos dispares que van más allá de la técnica característica y personal. Toma referencias de la historia del arte, pinta paisajes, santos y animales.

Su obra ha recibido importantes distinciones y actualmente es uno de los más grandes pintores españoles de su generación. Ha expuesto en diferentes lugares de España, Alemania, Portugal, Italia, Canadá, Dinamarca, Estados Unidos, Noruega y Francia.

Ganador del premio de pintura ABC y primer Premio de Pintura en 2002 Caja Madrid.

MIKI LEAL

Miki Leal (b.Sevilla 1974) se graduó de Bellas Artes en la Universidad de Sevilla. Actualmente, vive y trabaja en Madrid.

Algunas de sus exposiciones individuales recientes incluyen “Across the Universe”, organizada por Rafael Ortíz. Centro de Arte Rafael Botí. Cordoba, España 2016 “La biblioteca de Kandinsky”. Galería Rafael Ortiz. Sevilla, España, 2015 “Balada Heavy”. Galería Luís Adelantado. Valencia, España, 2014 “Lo feo no se vende”. F2 Galería. Madrid, España y muchos otros. El grupo muestra parte de “Piedra, papel, tijera”. Galería 6mas1. Madrid, España, “Alta Fidelidad. Colección Martínez-Lloret”. Universidad Miguel Hernández. Elche, España, “Nuevas imágenes · Nuevas imágenes”, comisariada por Alfonso de La Torre. El Corte Inglés. Madrid, España “LOS GÉNEROS DE LA PINTURA”. Galería Rafael Ortiz. Sevilla, España y también el “National Geographic. Miki Leal – Charris”, organizada por Sema D’Acosta. La Madraza Centro de Cultura Contemporánea UGR. Granada, España.


CARLOS LEÓN

Nació en Ceuta en el año 1948.

Es el ganador del premio Art and Patronage 2016 en la categoría de artista y del Premio Cultural 2014 de la Comunidad de Madrid, Carlos León, ha tenido una carrera multidisciplinaria que se remonta a principios de los años setenta. Después de abandonar sus estudios médicos, como resultado de su estancia en París, se convirtió en miembro del grupo Supports-Surface y posteriormente introdujo su enfoque en España. Su trabajo pronto adquirió una dimensión internacional, ya que fue invitado a participar en el Pabellón de España en la Bienal de Venecia en 1976. Su posterior residencia, Nueva York ,lo llevó a confrontar su identidad ilustrada con el expresionismo abstracto de la escuela norteamericana. Su trabajo completo consiste en investigar lo abstracto y sus posibilidades semánticas a partir de diferentes técnicas, medios y soportes. El color, la textura y la superficie coexisten en sus composiciones con un lenguaje corporal claramente expresionista que ha permitido la introducción continua de nueva estética y formulaciones conceptuales.


JOSE DÁVILA

Nació en Guadalajara (México) en 1974. Actualmente, también vive y trabaja en Guadalajara.

El trabajo de José Dávila es el resultado, por un lado, de llevar la resistencia, tanto de la forma como del material, a su límite, y por el otro, de la apropiación y recontextualización de obras de arte conmovedoras a lo largo de la historia, definiéndolas dentro de un local con un contexto contemporáneo. Su trabajo es parte de la trienal PST LA / LA de Getty en Los Ángeles y se ha expuesto en Hamburger Kunsthalle, Hamburg, DE; Marfa Contemporary, Marfa, EE. UU., Savannah College of Art and Design; Gemeentemuseum, Den Haag; Museo Voorlinden, AG Wassenaar, Nederland, Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC, Ciudad de México; Caixa Forum, Madrid; MoMA PS1, Nueva York; Kunstwerke, Berlín; Museo de Arte de San Diego; Museo de Arte Reina Sofía, Madrid; MAK, Viena, Fundación / Colección JUMEX, Ciudad de México; Bass Museum of Art, Miami; Museo de Arte Moderno, Sao Paulo; The Moore Space, Miami; NICC, Amberes, entre otros; y ha aparecido en publicaciones internacionales como Cream 3, ed. Phaidon, 100 artistas latinoamericanos, ed. Exit and The Feather y The Elephant, ed. Hatje Cantz.

José Dávila ha sido galardonado con el Premio de Artistas Bálticos junto con los artistas Eric N. Mack, Toni Schmale y Shen Xin.

DONA HUANKA

La artista estadounidense-boliviana Donna Huanca es conocida internacionalmente, sobretodo en los últimos años, por sus obras que a menudo incluyen figuras humanas en vivo. Gran parte de su obra examina sus raíces en Bolivia y su yuxtaposición con la vida en el mundo occidental. 

Huanca comenzó a exhibir su trabajo a mediados de la década 2000, una de sus primeras exposiciones individuales fue en Plush, en Dallas, seguida por otra en la Susan Inglett Gallery de Nueva York en 2007. Recibió una subvención ART MATTERS en 2011 y la beca Fulbright. En 2012 para la investigación en la ciudad de México. También ha sido artista residente en varias instituciones, incluida la Residencia Internacional de Arte Art Omi en 2008, así como el Centro de Artes de Headlands en San Francisco ese año. Continuó en el LMCC Swing Space, 77 Water en Nueva York el próximo año. Más recientemente, en 2013 fue la artista residente en la Access Gallery en Vancouver.

 Gran parte del trabajo de Huanca es arquitectónico, en el sentido de que crea espacios y niveles en forma de marcos para sus instalaciones. Estos a menudo, incorporan personas desnudas que han sido pintadas, bañadas en látex o cúrcuma y con medias corporales. Los cuadros vivientes resultantes dejan al espectador con la sensación de haber sido trasladados a espacios donde sienten en cualquier otro lugar, en otro continente. Una medida efectiva es la inclusión del olfato, un sentido poderoso que ella usa en la audiencia para sacarlos de la galería.

OKUDA

Okuda nació en Santander, España, el 19 de noviembre de 1980. El trabajo de Okuda se puede clasificar como surrealismo pop con una clara esencia de arte callejero o urbano. Su obra está compuesta de estampados geométricos y arquitecturas efímeras multicolores que se mezclan con cuerpos grises y formas orgánicas. Estas obras de arte a menudo plantean contradicciones sobre el existencialismo, el universo, el infinito, el significado de la vida y la falsa libertad del capitalismo. Ayudan a iniciar conversaciones sobre el claro conflicto entre la modernidad y nuestras raíces.

SALUSTIANO

Nacido en Villaverde del Río, Sevil, estudió Bellas Artes y, desde entonces, su obra se ha expuesto en museos, galerías y ferias de arte de todo el mundo. Como en el Museo Fowler en Los Ángeles, el Museo Luma en Chicago o el Museo Vostell-Malpartida en Cáceres (España). Con respecto a las ferias internacionales de arte, ha participado en Art Cologne, Armory Show en Nueva York, Art Miami, Moscú en la Feria Internacional de Arte en Moscú, Toronto International Art Fair, ARCO, DIVA Art Fair en Nueva York, KIAF International Art Fair en Seúl , MODERN en Munich, ART FORUM en Berlín, SCOPE Art Fair en Miami y Londres, entre otros.
El trabajo de Salustiano ha sido portada de revistas y prensa especializada, como Arte Al Límite Magazine, Artery Berlin, MU Magazine o el semanario cultural del periódico nacional ABC. Además, ha sido entrevistado innumerables veces en la radio y televisión. Debido a este reconocimiento artístico, diferentes instituciones benéficas de prestigio internacional lo invitaron a colaborar en sus proyectos. Como la Fundación Dalai Lama con la exposición The Missing Peace, que estuvo presente en varios continentes, la Organización Internacional Woman Together, con la exposición Otras Meninas, y la Fundación Cisneros con la exposición y la Subasta de Arte Latinoamericano IKF.

FELIPAO

Felipao es el nombre artístico de Felipe García-Bañón Sanz-Briz, nacido casualmente en Marruecos, de una familia diplomática. Pasó su infancia por todo el mundo, viviendo en Francia, Nicaragua, Pakistán, Kenia, Emiratos Árabes Unidos, … Esta oportunidad única le ofrece una amplia exposición a diferentes realidades y la posibilidad de observar la fusión de diversas culturas. Se instaló en Madrid en 1983; licenciado en administración económica y de empresas por ICADE. Su vida laboral transcurrió a través de varias empresas multinacionales como Bristol-Myers Squibb, Telecinco, Repsol, etc. En 2009, la necesidad de comunicar su experiencia y visión de la belleza lo llevó naturalmente a lo que le importaba: expresarse visualmente. Renunció a Bristol-Myers Squibb y comenzó una nueva vida radical, 100% dedicada al arte.

MATÍAS SANCHEZ

Matías Sánchez expuso por primera vez en Cavecanem en 2001 cuando nadie sabía quién era. Siendo un pintor autodidacta, siempre basó su concepto pictórico del expresionismo. Con una proyección de barrido pudo construir una pintura violenta y satírica que se oponía a todas las tendencias del momento.

Al principio fue difícil para el trabajo de Matías integrarse en el mundo del arte contemporáneo, pero fue en ARCO, en 2002, que obtuvo un enorme éxito de la audiencia y la crítica. En ARCO 2003, su pintura al óleo de 6 metros fue la portada del periódico ‘El País’ que lo anuncia como el ARCO del año. Desde entonces, múltiples personas, galeristas nacionales e internacionales lo han apoyado. Galeristas de prestigio como, Begoña Mallone (Madrid), Javier Marín (Málaga), Valle Ortí (Valencia), Espacio Liquido (Gijón), aprecian su trabajo. También trabaja con galerías extranjeras como: “Christopher Cutts Gallery” (Toronto – Canadá) y Costantini Art Gallery (Milán – Italia), lo han hecho reconocido internacionalmente.

Diferentes centros de arte contemporáneo han acogido su trabajo como el CAAM – Centro Atlántico de Arte Moderno (Las Palmas de Gran Canaria) o el CAC Málaga. Además de ARCO, en los últimos años, ha participado en importantes ferias internacionales como MACO 2013 – Arte contemporáneo de México, Art Stage Singapore 2013, Art Monaco 2013, India Art Fair 2013, Contemporary Istanbul 2012, Art Toronto 2012, Art Moscovo 2012 y Beirut Art Fair 2012

CRISTINA LAMAS

Cristina Lamas es la galardonada pintora de Lisboa.

Su trabajo ha sido exhibido en diferentes lugares como Livraria Assírio y Alvim, Ratton, Marília Razuk (Brasil), Giefarte, Galeria111, etc… Ella participó en grupos en Mitra, stag Room, Marília Razuk (Brasil), Fundación Vieira da Silva Museo de la Ciudad / Pav. Negro, Centro Cultural de Belém, Galería de la Alianza Francesa (Brasil), João Esteves de Oliveira, Centro de Arte Manuel de Brito, etc.

Su trabajo también se puede ver en diferentes colecciones públicas y privadas, como Caixa General de Depósitios, Fundación PT, Fundación PLMJ, Banco Espírito Santo, colección Manuel de Brito.

FELICIDAD MORENO

Nacida en Toledo en 1986; obtuvo uno de los premios de la Muestra II para Arte Joven, organizado por el Instituto de la Juventud de Madrid. Desde entonces, su trabajo ha sido en importantes exposiciones. Su obra ha aparecido en diferentes museos y colecciones como el MUSAC de León, el Museo Corte Herreriano de Valladolid, la Colección de arte contemporáneo ‘LA CAIXA’ de Barcelona, ​​el Banco de la Colección de España de Madrid, la Colección Caja de Burgos, CAB y La Colección ARTIUM de Vitoria.

CARLOS CARTAXO

Carlos Cartaxo (Vallodolid, 1978) fue licenciado en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca, donde participó en numerosas exposiciones colectivas e individuales, así como en ferias nacionales.

Es posible encontrar su obra en la ‘Colección Arts citerios’ (Alicante), la fundación Antonio Pérez (Cuenca), la Fundación de Arte (Palacio de Medinaceli – Soria), el gallry mc (Manhattan-Nueva York), la cultura centro de Ohrid (Macedonia), la colección de la facultad de la facultad del poder de las bellas artes de Salamanca, las colecciones del ayuntamiento de Valladolid y el ayuntamiento de Wetted (Valladolid), la colección de la fortaleza de Segovia, el Real de San Quirce Academia de Segovia y, finalmente, en la Fundación Santa María.